Marie de Villepin,
la peinture pour fixer l’émotion

Née aux États-Unis, j’ai grandi en Inde avant de rentrer en France pour passer un bac scientifique. Me prédestinant à une carrière financière, je suis entrée à Dauphine. Suite à un stage d’été en banque d’affaires, j’ai vite compris que ce n’était pas pour moi et que ce destin tout tracé ne me correspondait pas. Durant ce fameux stage, lors d’une pause déjeuner, alors que je déambulais place Vendôme, j’ai fait une rencontre impromptue qui m’a amenée à vivre une aventure formidable à New York. Pendant plus de dix ans, j’ai eu la chance de rencontrer des personnes talentueuses, des photographes, réalisateurs, peintres, musiciens qui ont nourri mon œil et mon univers. Lors d’une tempête de neige en 2007, alors que je partais pour un shooting en Afrique du Sud, j’ai rencontré deux musiciens vénézuéliens, Adrian et Inocente Carreño, à l’aéroport JFK. Ensemble, nous avons fondé mon premier groupe de musique, Pinkmist, dans lequel j’écrivais des textes et chantais. Depuis cette époque, je me suis toujours promenée avec des carnets pour griffonner des paroles, des histoires et anecdotes au milieu de dessins. Cette démarche me permettait de fixer des instants, des émotions et de construire la chronique de ma vie. Je puisais dans mon univers pour définir l’identité visuelle du groupe à travers logos, photos et vidéos. Avec du recul, je me rends compte que ces carnets ont fourni la matière première de mon travail pictural actuel.

Après plusieurs années passées entre New York et Los Angeles, je suis rentrée à Paris en 2019 à l’occasion d’une exposition personnelle intitulée New Creatures. J’ai aspiré à un retour aux sources, à renouer les fils de ma propre histoire mais surtout à donner de l’unité à ma vie. Tendre vers une forme de stabilité quand tout me poussait à la dispersion. La peinture me donnait la possibilité de rassembler, sur une page ou sur une toile, tout ce que j’aimais. Au fur et à mesure, mon univers a commencé à prendre forme avec des paysages imaginaires, des créatures et des machines de toutes sortes. Devenue mon nouveau mode d’expression, la toile me permettait de retranscrire ce monde intérieur et d’approfondir les liens entre les couleurs, les sons et le rythme. Cette première exposition est une rencontre entre la musique, le cinéma et l’art, une forme de synthèse de mon passé. Depuis 2021, j’exerce mon activité au sein de Poush, un lieu innovant dédié à la création contemporaine. En 2022, j’ai présenté The Lost Weekend à la galerie Charraudeau, une exposition faisant écho au confinement et à ce temps suspendu. Confrontation entre le monde d’avant, frénétique, et le monde d’après, fragile et incertain. Cette exposition s’inscrit comme une échappée belle, une tentation de l’ailleurs. Telle une mosaïque des éclats du passé, elle fait également référence au Lost Weekend de John Lennon. À cette parenthèse de dix-huit mois où le musicien s’est perdu puis retrouvé. Cette exposition a une tonalité seventies, faite d’expériences, de nostalgie, de joie, de tristesse, de paix et d’élan. « J’ai l’impression d’avoir fait le voyage de Sinbad, vous savez, et j’ai combattu tous ces monstres et je suis de retour… Bizarre. » disait le membre des Beatles. Récemment, Anselm Kiefer m’a parrainée dans le cadre du Prix Marin qui a pour but d’exposer et de soutenir la jeune création. Pour terminer, Murmuration sera ma première exposition personnelle en Asie et restera visible plusieurs mois à Hong Kong à partir du 17 novembre.

Je suis née d’un père diplomate et d’une mère artiste-sculptrice, tous deux fervents collectionneurs. Mes parents, depuis mon plus jeune âge, m’ont initiée aux arts, que ce soit à travers les visites de musées, de galeries, sans parler des conférences et des innombrables séances de cinéma d’auteur. Ma mère écoutait de la musique classique, mon père plutôt du blues et du rock. Elle m’a toujours associée à ses différentes visites, dans les ateliers de ses amis artistes ou artisans avec qui elle collaborait (fondeur, doreur, encadreur, etc.). J’ai profondément été marquée par ces rencontres multiples notamment avec des poètes, des musiciens, des cinéastes et des peintres dont Zao Wou-Ki, un ami de la famille. Très jeune, j’ai compris que l’art était un langage à part entière.

La peinture à l’huile nécessite pour moi du temps et de l’espace. J’aime travailler sur des toiles de grand format, par couches successives. Elle requiert parfois plusieurs jours de séchage, ce qui me permet de travailler en parallèle sur de grandes feuilles de papier coréen ou japonais. Je mets souvent du temps à choisir et à préparer mes toiles. Aucune n’est réellement identique, ce qui me procure un plaisir particulier au toucher et à la manipulation. La fibre est dotée d’une grande richesse, comme si elle contenait déjà, en germe, toute la diversité du monde. Cette page initialement blanche peut tout devenir, tout contenir, ce qui permet de créer un dialogue avec la matière. J’essaie dans mon travail de démultiplier les possibilités en explorant des médiums variés comme le crayon, la mine de charbon, les pastels ou le collage. Je m’efforce de conjuguer sur la toile plusieurs points de vue, nourris par des expériences passées. Seule face à la toile, je ressens un supplément de liberté. Dans la peinture, l’épreuve du vertige est fascinante, autrement dit le jeu trouble des frontières entre harmonie et dissonance et la crainte d’être au bord du précipice. La recherche permanente de la « note juste ». J’ai appris à aimer ce face-à-face avec moi-même, ce corps-à-corps qui me permet, où que je sois, de laisser libre cours à mon imagination en toute indépendance. Dans mes carnets, j’utilise des stylos acryliques, des crayons de couleur, toutes sortes de techniques de collage. J’incorpore aussi de plus en plus de photos, comme des polaroïds. J’aime passer de l’un à l’autre, pour préciser des techniques et en développer d’autres en fonction des besoins. À terme, j’aimerais beaucoup explorer la céramique et pourquoi pas des sculptures en bois avec de grands formats. Je regarde souvent les œuvres de Barbara Hepworth, Henry Moore, Germaine Richier ou encore Valentine Schlegel.

New Creatures aborde le sujet d’une société mécanisée à l’heure des biotechnologies. Qu’est-ce qu’un être humain, qu’est-ce qu’une vie d’homme et de femme face à de telles évolutions et surtout, est-ce que l’art peut nous apporter une nouvelle humanité ? The Lost Weekend est quant à elle une référence directe à la parenthèse folle de drogues et d’alcools de John Lennon qui a duré dix-huit mois à Los Angeles. Dix-huit mois de cassure qui correspondent à la fin des Beatles, à sa rupture avec Yoko Ono, et à sa relation avec May Pang. Paradoxalement, de cette période sombre, John Lennon est revenu avec éclat en présentant Walls and Bridges. En temps de pandémie et d’isolement, ce titre s’est imposé à moi. La multiplication des contraintes m’a apporté une liberté supplémentaire pour avancer sur la toile et a, naturellement, occupé tout l’espace. Point d’autres sollicitations que ce fil à tirer, en forme d’escapade hors du temps. L’occasion, non pas seulement d’un inventaire, mais d’une réconciliation, à travers la peinture, des mots, des sons, des lumières qui m’obsèdent. Enfin, Murmuration constitue ma première exposition personnelle à Hong Kong qui se déroulera prochainement du 17 novembre 2022 à mars 2023. Le titre décrit le ballet enchanteur des oiseaux dans le ciel, qui se rassemblent et tournoient collectivement, créant des nuées opaques. Telles des aurores boréales, ces masses lumineuses et dansantes induisent instinctivement une mélancolie qui hypnotise, fascine et apaise. À travers cette exposition, j’ai voulu ancrer et retranscrire ce phénomène où les oiseaux se lâchent et virevoltent, retranscrire ces mouvements. Les tableaux bougent, évoluent, se transforment tout comme les motifs et la manière de peindre. Cette fragilité est au cœur du dessin de Nicolas de Staël d’un vol d’oiseaux datant de 1951. J’ai essayé de trouver un équilibre entre obscurité et éclat du monde, inquiétude et espoir illustrés par des oiseaux. Les changements incessants dans les formes, où les identités, les communautés et les technologies dans ce monde postmoderne peuvent être à la fois agressives, oppressives et répulsives. Je questionne ainsi les enjeux de notre temps en proposant des chemins de traverse à travers mon imaginaire, mes mots, ma musique. Murmuration adopte une nature évolutive en présentant des peintures, des dessins, des histoires personnelles et des inspirations. Je construis mes expositions comme des albums.

Il y a des formes qui me hantent et qui reviennent consciemment ou inconsciemment comme des visiteurs du soir. Des silhouettes humaines, des oiseaux, des bateaux, des formes en partance dans une nature primitive non domestiquée par l’homme. Il y a aussi des empreintes, des traces, dans un monde d’après la catastrophe. Ce que je peins est intimement lié à une terre, à un climat, à une voix, à des personnes. Je transforme tout ce que je peux vivre, entendre, saisir, en matériau pour créer. Un tableau constitue ainsi un récit à part entière, un morceau de puzzle. Au milieu de tout cela, j’essaie, par la couleur, par le jeu des lignes et des formes, de rétablir un ordre où la vie est possible. Sinon, mes pratiques picturale et musicale sont intimement liées. Les notes de musique rythment mes coups de pinceau qui divergent et convergent. Au-delà des thématiques, des questionnements récurrents m’assaillent : comment trouver le point d’équilibre entre l’instant présent et le temps qui passe ? Comment capturer l’esprit et la forme d’un moment, d’un lieu, d’une image ? Comment transcrire sans trahir ? D’où le va-et-vient incessant entre plein et vide, fragmentation et cristallisation, inscription et effacement.